vaso con pesci rossi

  Henri Matisse, Vaso con pesci rossi (1914) © Succession H. Matisse

pesci rossi e tavolozza

Henri Matisse, Pesci rossi e tavolozza (1914) © Succession H. Matisse

MATISSE, dai pesci rossi ai sirene.

Parmi les paires ou les séries de tableaux réalisées à partir d’un même motif par Matisse, il y a celles sur les poissons rouges. L’exposition du Centre Pompidou présente deux chefs d’œuvre de 1914 sur ce thème : « Vaso con pesci rossi » et « Poissons rouges et palette ".

Gli animali marini e i pesci, ricorrenti nell'opera di Matisse, sono i segni noti della sua evoluzione verso una pittura semplificata e sintetica. Son maître, Gustave Moreau lui avait dit avec clairvoyance et d’un léger ton de reproche : « Vous allez simplifier la peinture… » ou encore, «Vous n’allez pas simplifier la peinture à ce point-là, la réduire à ça. La pittura smetterebbe di esistere… ». I pesci rossi di Matisse sono, in effetti, « semplificati ». Pour les « synthétiser » il a regardé ceux des estampes japonaises d’Hiroshigé ou d’Hokusaï, même s’il n’en suit pas les sinuosités expressives que l’on retrouve chez nombre d’artistes de la tendance « art nouveau » ; il a vu au Louvre les dauphins stylisés des vases grecs et a copié (pendant 6 ans) « La Raie » de Chardin, qu’il appelle « la grande nature morte au poisson » ; soprattutto li osservò direttamente. D’ailleurs il déclara qu’il fallait remplacer le séjour à l’école des Beaux Arts par un long séjour au jardin zoologique.

Il pesce rosso, questo essere placido e silenzioso, che stimola il movimento oculare e la plasticità spaziale, serve a Matisse per conferire alla propria pittura gli obiettivi di condensazione, identificazione, meditazione e riposo visivo. In questo senso, Matisse, molto sensibile alle opere orientali, agli arazzi, alle ceramiche e alle miniature che vide tra 1893 e il 1901 a Parigi e a Monaco di Baviera, ha una visione simile a quella degli artisti orientali. Non è quindi una coincidenza che il tema del vaso di pesci rossi sia presente nelle opere eseguite durante o dopo i suoi due viaggi in Marocco tra il 1912 e il 1913. Dans le volet central du fameux « Triptyque marocain » (Moscou, musée Pouchkine), la jeune Zora est accroupie sur la terrasse au sol bleu foncé qui la porte comme un tapis volant, devant elle à sa gauche un bocal de poissons rouges et sur sa droite, deux babouches à la semelle intérieure rouge. In questo sogno a occhi aperti su uno sfondo turchese, le babbucce galleggiano come galleggiano i pesci. Nel riquadro di sinistra, davanti, un uomo pensieroso seduto nella penombra; un recipiente illuminato sul pavimento della porta della kasba. La même songerie ordinaire et exotique est le sujet du « Café marocain » (Petersbourg, musée de l’Hermitage) où deux personnages méditent et rêvassent devant un bocal en écoutant un musicien derrière eux. Sia i pesci che gli uomini hanno la stessa tinta ocra-aranciata. Lo scopo dichiarato da Matisse è che lo spettatore riviva davanti alla sua pittura lo stesso riposo contemplativo.

C’est une véritable série sur ce motif qu’il réalise entre le printemps et l’été 1912, citons : « Poissons rouges sur fond brun » (Copenhague), « Poissons rouges et sculpture » (New York), « Poissons rouges [avec fauteuil] » (Moscou). Apollinaire constatò all'epoca che nelle mostre di pittura c'erano molti « pesciolini »; lo definiva un soggetto alla moda, un'ossessione dovuta forse alle mostre cinesi. Quelli di Matisse vanno ben oltre, sono una metafora della pittura costretta e liberata in un vaso, uno studio o una mente, un fatto colorato che orienta lo sguardo, spesso in maniera centripeta e organizza la tela per « arrivare allo stato di condensazione delle sensazioni che costituisce un dipinto»; Matisse aspira in queste opere al riavvicinamento del mondo vegetale, animale e umano che, a suo parere, il Rinascimento europeo aveva reso diffcile.

Dopo il « Caffè marocchino », la serie continua tra il 1914 e il 1915 con due opere attualmente presenti presso il Centre Pompidou.

In « Vaso con pesci rossi », la sporgenza della visuale, la superficie in rilievo, la distribuzione di colori e forme simili, di oggetti semplici in zone distanti l'una dall'altra, davanti e dietro, dentro e fuori, tendono e distendono lo spazio al punto da instillare negli occhi il movimento del pesce statico. Su un blu predominante, le due macchie rosse formano un importante accordo, che si riflette attraverso le intensità secondarie del marrone del corrimano o delle numerose variazioni di rosa. In corrispondenza e in opposizione a questa nota di rosso, l'interno verde, in primo piano, di un recipiente profondo sul quale scende un'ombra grigia ovoidale. Il pesce è in grado di muoversi, come l'occhio del pittore, dal recipiente al vaso e dal vaso dentro il fiume o al contrario; così anche la curva dell'esile pianta salta fuori dalla finestra ed evidenzia il ponte formato dalle sue foglie sagomate che diventano gradini. Face à l’atelier du quai Saint-Michel, de l’autre côté de la Seine, quai de la Mégisserie, on vendait des poissons rouges. En 1906, Matisse disait à propos de son tableau « Fenêtre ouverte à Collioure » : « …l’atmosfera del paesaggio e quella della mia camera sono una cosa sola ». Il titolo dell'opera, all'apparenza futile, richiama la sfera mentale: il vaso è lo specchio della stanza-studio, lo studio è il vaso del pittore. D’ailleurs le titre de l’œuvre en anglais lors de sa première exposition à New-York en 1915 était celui de « Gold Fisch », poisson rouge ou poisson d’or au singulier. Il pesciolino galleggia dentro il vaso come l'idea corre nella mente e la forma cilindrica del vaso è riconducibile alla concezione cilindrica di Cézanne.

La « Vue de Notre-Dame » (New-York, Musée d’Art Moderne) et « La porte-fenêtre à Collioure » (Paris, Centre Pompidou) de l’automne 1914 appelée aussi « Le balcon ouvert » par Matisse sont deux de ces œuvres par bandes, griffures, oppositions de zones transparentes et opaques qui précèdent et servent de jalons à « Poissons rouges et palette ".

Matisse scrisse a Camoin nell'ottobre 1914: « Je fais un tableau, c’est mon tableau des Poissons rouges, que je refais avec un personnage qui a la palette à la main et qui observe (harmonie brun-rouge) ». La lettera è accompagnata da un disegno dove il personaggio, seduto a destra, contempla l'installazione, la disposizione del vaso, della pianta e del frutto. In inverno, nella versione finale dell'opera, il personaggio viene sostituito da un groviglio di linee e striature che avvicinano i piani, come una tenda o una finestra aperta. Il tavolo e il contenitore presenti nell'opera precedente vengono sostituiti da una zona marrone dove una tavolozza rettangolare e un dito bianchi indicano il vaso cilindrico bianco come la neve. Nel suo insieme ricorda l'estremità di un pianoforte con il suo leggio e la partitura; allo stesso modo, un leggio si staglia tra gli oggetti in ferro battuto a forma di cuore che incorniciano il trespolo dalle tonalità rosse. Nel triangolo del cielo marino, simile a un metronomo, il corrimano diventa la boma e la tela una vela. Sopra il frutto dorato, ancora una volta, una piccola pianta verde fa da congiunzione tra l'acqua del vaso e il cielo blu.

Attraverso il blu, il bianco, il rosso e il marrone, Matisse approda all'armonia musicale che ricercava, e a un'eco della guerra dichiarata nell'agosto del 1914. Il pittore musicista (cfr. « Intérieur au violon », 1918, Copenhague, et « Le violoniste à la fenêtre », 1918, Paris) se concentre et oppose en contre point au désordre de la guerre son travail d’ordre cubiste alors qu’il est proche de Juan Gris.

André Breton en 1923 considère cette œuvre comme une des trois ou quatre plus grandes œuvres modernes et la fait acheter au couturier Jacques Doucet qui la place parmi les trois œuvres phares de sa collection avec « Les Demoiselles d’Avignon » de Picasso et l’esquisse du « Cirque » de Seurat. « … Déformation, pénétration intense de la vie de l’auteur dans chaque objet, magie des couleurs, tout y est … » (Breton). Cette peinture évoque à Georges Duthuit l’atmosphère humide d’un bateau : « … cette humidité, ce silence nous font paraître plus brillant le rouge des poissons d’or. Occupano soltanto un piccolo spazio nel quadro, ma questo spazio è complementare alla totalità di ciò che sta intorno a loro. ».

Ci saranno altre opere con i pesci rossi e con personaggi che meditano a fianco, nel 1923 e nel 1929. Verso la fine degli anni Venti, Matisse desidera uno spazio maggiore per la pittura. I viaggi in aereo, la scoperta della Polinesia, di New York, sono esperienze parallele e la decorazione de « La Danza » per la Barnes foundation è l'illustrazione di questo nuovo slancio.

Ma è soprattutto in seguito alla grave operazione che subì nel 1941, che Matisse vive una seconda vita, andando « oltre qualsiasi tema », allontanandosi dalla pittura, per incontrare «uno spazio più grande, un vero spazio plastico». Rinuncia allora a « giocare con il pennello » e realizza i suoi papiers gouachés, i cuts-out che sembrano spiccare il volo dalle pareti della sua stanza.

Dopo il lavoro di epurazione e di astrazione dell'album « Jazz », nel 1943 per l’editore Tériade, la pittura diventa, come lui stesso la definisce « aerea e anche ariosa », o ancora « Dopo questa epurazione, ho lasciato i sandali davanti alla porta, come in moschea. »

Parmi tous les chefs-d’œuvre de cette époque, « Les bêtes de la mer » (1950, Washington) et « Les poissons chinois » (1951, Los Angeles) qui est un carton pour le vitrail de la salle à manger de la villa de l’éditeur Tériade (aujourd’hui au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis). Matisse dichiarò che uno di questi pesci è un dugongo, un sirenio: « Voici un dugong ( …) et au-dessus un animal marin en forme d’algue. Quelli intorno sono fiori di begonia ». Nell'immensa opera « La piscina » (1952, New-York) pesci, uomini-sirena nuotano o volano accanto alle stelle del mare e del cielo.

Attraverso la grandezza delle opere e la luce che illumina e colora gli spazi architettonici, nella Cappella del Rosario di Vence, come nella sala da pranzo di Tériade, il vaso, l'interno della stanza diventano mari e cieli e Matisse si esprime come un artista cinese quando dichiara: « Mi sembrava che il mio disegno fosse come il respiro del mare ».

Christian Lassalle

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